La música siempre ha tomado su espacio en la historia, y ha sabido encontrar su lugar en la cultura, en este articulo conocerás todo lo referente al blues rock y sus más grandes y principales exponentes incluyendo a sus representantes actuales.
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Historia del Blues Rock
Aunque el comienzo del rock’n’roll se basaba en el blues, el blues-rock solo se convirtió en una categoría a finales de la década de 1960. El blues-rock enfatiza dos cosas:
- La forma tradicional de Tres acordes de blues
- Improvisación instrumental.
Tomando prestada la idea de un combo instrumental y la fuerte amplificación del rock’n’roll, los rockeros de blues originales como Cream, que creció en la tradición del British Blues de Alexis Korner y John Mayall, así como bandas estadounidenses como Paul Butterfield Blues Band y Canned Heat, tocaron largas improvisaciones conocidas en álbumes de jazz, como en espectáculos de blues.
El estilo se hizo muy popular y las bandas que siguieron tocaron aún más y fueron más orientadas al riff. Desde este enfoque aparecieron el rock sureño y el heavy metal, ambos usando una base de blues y largos solos de guitarras. (Ver Articulo: La Música)
A principios de la década de 1970, la línea entre el blues-rock y el hard-rock se volvió menos evidente, las bandas de rock boogie como ZZ Top utilizaron una técnica de producción de álbum-rock que intentó ocultar sus raíces del blues.
Sin embargo, el blues-rock da un paso atrás hacia el hard-rock, y una gran cantidad de artistas siguen tocando (y reescribiendo) los estándares de blues estándar que escribe sus propias canciones en el mismo sentido.
En 1980 y 1990, el blues-rock se acercó más a estas raíces que en los años 1960 y 1970, cuando artistas como los Fabulous Thunderbirds y Stevie Ray Vaughan alcanzaron el estatus de estrella de rock. En la década de 1980, el blues-rock se convirtió en una tradición popular como el blues.
Bases del Blues Rock
A comienzos de 1970, se formó una falange informal de jóvenes guitarristas blancos inspirados por Elvis Presley, cuyas referencias no ignoraban. Se destacaban:
- Charlie Musselwhite
- Elvin Bishop
- Paul Butterfield
- Michael Bloomfield
Todos de los barrios de lujo, tomaron la antorcha de BB King o John Lee Hooker. A partir de entonces, el blues, a los que los cuatro pagaron su deuda, salieron del gueto y comenzaron a interesar a un público blanco que lo había descuidado anteriormente.
Ya que muchos grupos mixtos hicieron su aparición arrojando una luz radicalmente nueva sobre esta música «esclava» al recuperar títulos de: Jimmy Reed, Freddie King y Chuck Berry y arrastrando el los blues tradicional al blues rock. (Ver Articulo: Willie Dixon)
Todo se precipitará cuando Al Kooper, otro talentoso instrumentista, y Michael Bloomfield se crucen en el camino de Bob Dylan, la estrella popular del momento que no dudará a pesar de los fanáticos de la primera hora para electrificar su música en el festival de Newport en Nueva York en el año 1965.
El título fundador, al igual que Rolling Stone, tendrá una influencia duradera en las bandas de la Invasión Británica y será el punto culminante de este crossover en el que los jóvenes blancos se reconocerán entre sí.
In Buried Alive in the Blues (por Janis Joplin en Pearl) el musicólogo y especialista en blues Eric Doidy remonta la cronología de una música mutante nacida en el Delta, popularizada en Chicago, una matriz de rhythm’n’blues, y en los años sesenta se convirtió en la mejor música estadounidense bajo el nombre «blues rock».
Este es el momento en que los grupos crecen como hongos Blue Cheer ZZ Top a través de Allman Brothers. De ahí en adelante, todos saben que el blues es el ingrediente fundamental de este sonido pesado y eléctrico, pero es hacia el rock que las bandas van masivamente, satisfaciendo así las expectativas de los jóvenes estadounidenses borrachos con emociones fuertes y música poderosa.
Pero la mutación no está completa y la banda de Allman Brothers como sus epígonos ahora estampara su música «Southern rock» con sus compañeros de habitación Lynyrd Skynyrd.
Estas bandas de sonido de rock duro que llenan los pasillos están ahora lejos del blues, aunque algunas de estas producciones pueden compararse a una especie de «heavy blues» como John Mayall, Eric Clapton, Peter Green y Paul Kossoff en el Reino Unido.
Un artista, genio guitarrista y músico de blues advirtió que todos estarán de acuerdo en mantener los conceptos básicos del blues y la energía del rock. Este es Johnny Winter, albino nacido en Beaumont y amigo de Janis, quien firmará con el vivo.
Johnny Winter con el álbum 1971 de referencia del blues americano de los años setenta. Después de estos buenos años, la primera mitad de los años ochenta será para el blues y para sus avatares, un largo camino de cruce donde los sintetizadores dañan a las guitarras y guitarristas.
Sin embargo, después del éxito fugaz de George Thorogood (quien a menudo abrió para los Stones), un prodigio que trastornó el mundo de la música y mostró que el blues nunca muere. Stevie Ray Vaughn, nacido en Dallas en 1954, restaurará el blues en sus derechos y lo pondrá de nuevo en el podio.
Presentando discos mullidos y solares, asistiendo a sesiones, conciertos o discos de estrellas como Jeff Beck, David Bowie o Huey Lewis, SRV se convertirá en una de las grandes estrellas de la guitarra.
Desgraciadamente, su carrera estando en los picos más altos se romperió en un accidente de helicóptero en 1990. Stevie Ray Vaughn puso el blues de nuevo en las vías y en las tiendas de discos. En su estela o en paralelo, surgieron muchos talentos como Jeff Healey, Steve Earle y especialmente Robert Cray, afroamericano nacido en 1953 en Georgia, quien aparecerá un tiempo como el salvador del blues.
De este largo viaje, también debemos recordar que el florecimiento de este blues rock estadounidense tuvo un efecto positivo en los pioneros y ex campeones de la categoría. Las carreras de Freddie King, Buddy Guy y Luther Allison gozaron de una renovación de intereses poco probable. Después de Stevie Ray Vaughn fue difícil de negociar.
Los mayores, de hecho, estaban buscando el nuevo genio a toda costa sin realmente tener éxito. Algunos nombres surgieron como Bill Perry, Poppa Chubby, Michael Powers o la deslumbrante Susan Tedeschi, pero es con la llegada de Joe Bonamassa, nacido en 1977 en Utica, que el blues rock encontró su figura y su nuevo embajador.
Joe Bonamassa es hoy heredero de una larga filiación que Eric Doidy rastrea en este trabajo esencial para quien aún piensa que los Rolling Stones nunca son mejores que, como su último opus, regresan al blues. En lo esencial. Al igual que su último álbum, vuelven al blues. (Ver Articulo: Pink Anderson)
Festival de Blues Rock
La definición de Festival, es una «serie de actuaciones donde se producen obras de arte o artistas». Pero esta definición dista mucho de tener en cuenta la diversidad y complejidad del fenómeno de los festivales. Por lo que se le conoce también como «un evento donde la referencia a las celebraciones efímeras, impulsadas por eventos y renovadas es parte de la triple unidad de tiempo, lugar y acción».
Es interesante recordar que el festival es una forma única de celebración pública de un género artístico en un espacio-tiempo reducido. Por lo tanto, el Festival ya es, en esencia, por su existencia y su naturaleza, un proyecto «explosivo» en la medida en que es un evento «único» y festivo.
Si nos interesa la historia de los Festivales, si originalmente, solo se dedicaron a la música clásica, hoy son de una gran variedad. Así, el fenómeno de los festivales se remonta a los años treinta y cuarenta, se redujo su número y su importancia, más a menudo fueron iniciativas de personalidades culturales en los campos del teatro, la música y el cine.
Durante el período de posguerra fue el nacimiento de festivales como el Festival de Aviñón, el Festival de Cine de Cannes o el Festival de Música y Danza. Pero es a partir de los años setenta que asistimos a una proliferación y diversificación de festivales.
La combinación de factores socio económicos explica este crecimiento repentino y rápido durante los últimos 40 años. El aumento en el ocio y el aumento en el nivel de vida han apoyado la aparición y el desarrollo de tales eventos: entre 1959 y 1994, el poder adquisitivo de los habitantes se ha multiplicado y la participación del «ocio», entretenimiento, educación y cultura en el presupuesto familiar se incrementó.
Además, el considerable desarrollo del transporte durante el mismo período ha reforzado esta tendencia, permitiendo a los espectadores potenciales avanzar aún más para satisfacer su «sed» por la cultura. Finalmente, la descentralización y las nuevas competencias otorgadas a las comunidades locales dieron la posibilidad a los funcionarios electos locales para alentar estos Festivales.
Lollapalooza en los Estados Unidos
Lollapalooza es el festival de música rock, pop y electro de Chicago. Se lleva a cabo en julio y celebró su cumpleaños número 27 en 2018. El programa de este festival de EE. UU. Está en la cima con estrellas como Radiohead, Red Hot Chili Peppers o LCD Soundsystem. Todos los conciertos de este festival de rock en los Estados Unidos tienen lugar durante la tarde y la noche, ¡esto le permitirá visitar Chicago mientras disfruta de uno de los festivales más grandes del mundo!
Rock in Rio en Brasil
Rock in Rio en Brasil es el festival más grande del mundo que alberga a más de un millón de participantes en cada edición. Este festival de música se lleva a cabo cada dos años en Río. El resto del tiempo encontramos las estrellas más grandes en Lisboa o Las Vegas.
El Festival de Glastonbury en el Reino Unido
El festival de verano del Reino Unido. El primer Festival de Glastonbury se organizó en 1970 durante dos días. Hoy, dura 4 días y cuenta en su programa con algunos de los mejores músicos del mundo. Este festival de música alberga a estrellas como Muse, Adele, Coldplay, Beck, PJ Harvey, Eart, Wind and Fire! Se lleva a cabo en Inglaterra, en la región de Somerset. Si es uno de los festivales más grandes de Europa, también es un festival reconocido en todo el mundo.
Festival de Fuji Rock en Japón
Una experiencia de festival como nunca antes! Fuji Rock se lleva a cabo en el Monte Naeba en un hermoso bosque. ¡Nada que ver con los festivales que conoces! Descubre tus bandas favoritas en el ambiente amigable japonés. Cambio total de escenario garantizado! Este festival de rock se organiza en julio. Hay estrellas como Sigur Rós, Beck y los Red Hot Chili Peppers.
Canciones de Blues Rock
- Tony Vega Band: Frisco Blues
- Luther Johnson: If Blues Was Whiskey
- John Lee Hooker: One Scotch, One Bourbon
- Shuggie Otis : Shuggie’s Boogie
- Billie Holiday: Foolin’ Myself
- Kenny Wayne Shepherd: Shame, Shame, Shame
- Ray Charles : I’m Wondering
- Alan Haynes: Houston Blues
- Janis Joplin: Summertime
- Tony Vega Band: Tony Vega Band
- Walter Trout : If You Ever Change Your Mind
- Roy Buchanan: When a Guitar Plays The Blues
- T-Bone Walker : T-Bone Shuffle
- Susan Tedeschi: Just Won’t Burn
- Texas Johnny Brown: Cheatin’ and Stealin’
- John Lee Hooker: Boom Boom
- Luther Allison: Rock Me Baby
- Robben Ford: Ain’t Gonna Worry My Life
- Buddy Guy: Damn Right I’ve Got The Blues
- Allman Brothers Band: The Blues Ain’t Nothin’
- Gary Moore : Still Got The Blues
- Robben Ford: Help The Poor
- ZZ Top: Jesus Just Left Chicago
- Bobby ‘Blue’ Bland: Stormy Monday Blues
- Eric Clapton: Crossroads
- Johnny Winter: Life Is Hard
- Albert Collins: If Trouble Was Money
- Albert King: The Sky Is Crying
- Jimi Hendrix: Red House
- B.B. King: The Thrill Is Gone
- Stevie Ray Vaughan: Texas Flood
- Eric Johnson: Once a Part Of Me
Blues Rock Instrumental
El rock instrumental es un tipo de rock que enfatiza los instrumentos y tiene pocas partes vocales. Es posible hallar ejemplos de rock instrumental en casi todas las categorías de rock, escritas por músicos de estilo como Dick Dale, The Shadows y The Ventures.
Aunque muchas bandas de rock componen pistas instrumentales, estas bandas no están clasificadas como rock instrumental porque el canto predomina entre sus composiciones.
El rock instrumental fue popular principalmente durante la primera década de la historia del rock (desde mediados de los años cincuenta hasta mediados de los sesenta), antes de la invasión británica.lo que vive las bandas de rock estadounidenses son relegadas a un segundo plano debido al éxito de los grupos pop estadounidenses.
Una pieza de debut notable fue «Honky Tonk» de Bill Doggett Combo con su ritmo sexy y su órgano principal de saxofón. El bluesman Jimmy Reed entró al desfile de éxitos con «Boogie in the Dark» y «Roll and Rhumba». (Ver Articulo: Ernestine Anderson)
El saxofonista de jazz Earl Bostic revivió su carrera con instrumentos como «Harlem Nocturne» y «Earl’s Rhumboogie» (otros músicos de jazz también han hecho lo mismo, con éxito, como Tab Smith y Arnett Cobb). Muchos saxofonistas de rhythm and blues han hecho éxitos instrumentales, como Big Jay MacNeeley, Red Prysock y Lee Allen, cuyo «Walking with Mr. Lee» fue realmente popular.
Hubo varias pistas de blues instrumentales notables en 1950. El exuberante «Juke» de Little Walter fue un gran éxito. El éxito del género se basó a veces en una parte del órgano electrónico (los Tornados, «Telstar» o «The Happy Organ» de Dave «Baby» Cortez) o saxofón («Tequila» por los Champs).
La guitarra aún era predominante, con Duane Eddy grabando varios éxitos en el desfile de éxitos (su hogar más conocido «Rebel Rouser» y Link Wray (fallecido en noviembre de 2005) cuyo siniestro «Rumble» probablemente debe ser la única canción instrumental prohibida en las antenas de algunas estaciones de radio. Los arreglos de guitarra de Ventures serán una fuente importante de inspiración para los guitarristas de la próxima generación.
En Europa, después de una sucesión de éxitos vocales con Cliff Richard, fue en 1960 cuando el grupo inglés The Shadows se convirtió en la banda más famosa del mundo. Su enorme tubo instrumental de apache da la vuelta a una generación.
Siguen docenas de otros éxitos, y los Shadows forman 5 singles No. 1 solo y 7 con Cliff, así como múltiples Top 10 y varios álbumes clasificados como No. 1 en todos los años 60, pero también en las décadas siguientes. Hank Marvin seguirá siendo el primer héroe de guitarra europeo y el primero en jugar con una Fender Stratocaster.
Los guitarristas influenciados por su forma de tocar y su sonido son innumerables, y algunos se convertirán en las estrellas de rock de las siguientes décadas. Jr. Walker & The All-Stars Musica sur fue bastante popular a principios de la década de 1960, y las razones fueron la simplicidad del género y las melodías pegajosas.
Excepción: Dick Dale, quien ganó fama por su habilidad para jugar rápido, fue influenciado por la música de Medio Oriente y usó escalas exóticas frecuentemente. Después del fenómeno llamado la Invasión Británica, la música rock cambió significativamente, y los éxitos instrumentales fueron obtenidos por artistas de R&B.
Entre estos, uno no puede dejar de mencionar al saxofonista Junior Walker y al grupo residente del estudio Stax en Memphis, Booker T. & The MG’s que además de acompañar a las leyendas del alma como Otis Redding o Wilson Pickett, actuaron como un grupo instrumental, con las «Cebollas verdes» más exitosas en 1962 y álbumes sobresalientes como Soul Dressing (1965) y su canción Swan Melting Pot (1971). (Ver Articulo: Kim Simmonds)
Los Artistas Más Representativos del Género
- Booker T. & The M.G.’s
- The Champs
- The Chantays
- Duane Eddy
- Johnny & The Hurricanes
- The Mar-Keys
- The Ramrods
- The Rebels
- Santo & Johnny
- The Surfaris
- The Ventures
- Jr. Walker
Blues Rock en Español
A continuación mencionaremos a algunos de los exponentes del blues rock en español:
Renata Rosa
Renata Rosa, originaria de São Paulo, escapó rápidamente al noreste, donde absorbió las coloridas canciones y danzas de los indios, las bolas improvisadas de forró, las fanfarrias para llorar de alegría o tristeza y las justas verbales que Los poetas callejeros se lanzan al sonido de la rabeca, un instrumento que Renata adoptó para acompañarla.
Llevado por una voz alta y una exuberante sensualidad, con un ritmo encantador del ruido de toda esta vida, toda esta alegría de carnaval enlanzada en un cielo perfectamente claro, hacia los inmutables e hinchados horizontes de la savia de la selva virgen y el mar, de eso nos canta Renata.
Omar Sosa
El mago cubano continúa su búsqueda de nuevas combinaciones para el jazz, recibiendo tanto a los hipnóticos de kalimba como al áspero cante de José Martín «El Salao» como los gusanos del Slammer Kokayi o la guitarra aérea de Martin Sewell.
Tanto el español, africano y americano, como cubano, Ilé, bien parece el fruto de colisiones sucesivas dominados por un halo de paz de la mística y la apertura cada vez más amplia a todos los sonidos del mundo.
Kanaku y El Tigre
Detrás del nombre de Kanaku y El Tigre , que uno podría imaginar designando un número de doma, hay dos seguidores peruanas de bricolaje, Nicolás Saba y Bruno Bellatin. Encadenado entre un frágil ukelele y un asmático Moog, un viejo acordeón y algunos juguetes para niños, el dúo construyó su propio ático psicodélico como si fuera a soplar anillos de humo, con indolencia y un toque de ola al alma.
Axel Krygier
El Hombre de piedra , quinto álbum a todo color, Axel Krygier, a su vez argentino mountebank, compositor, productor y multi-instrumentista, sigue la evolución del hombre desde sus primeros trazos a lápiz en las cuevas del Paleolítico hasta su Divagaciones contemporáneas, caminatas entre el psicodelismo, el cromonón, la discoteca cósmica, el etil reggae, el azul cheyenne y el electro vértigo en un mundo alucinante donde el caos de las civilizaciones avanza en incesantes revoluciones.
Daymé Arocena
La gran sensación cubana del momento es ella: Daymé Arocena, de 22 años, un talento ya confirmado para la composición, un corazón que parece latir solo para cantar y un natural para desarmar a los cínicos más endurecidos.
Manchada por Gilles Peterson, ella contribuye a Havana Culture Sessions en un sabroso EP, un anticipo del álbum Nueva Era que se lanzará en mayo. Desde el balanceo del jazz hasta las invocaciones marcadas por los tambores tradicionales, Daymé gana cuatro títulos como cantante prometedora.
Mariana de Moraes
Después de haber actuado como un adolescente para cine, televisión y teatro, la nieta de Vinicius de Moraes finalmente se rindió a la llamada de la sangre y, a la edad de 28 años, comenzó una carrera musical puntuada, por el lanzamiento de un puñado de álbumes.
Con su melancólica dulzura, sus sambas negras que rozan la desesperación y sus ráfagas de vudú afrobrasileño que uno podría pensar capturado en vivo en algún patio sombreado, Desejo no sacude nada sino destila una profundidad tan hermosa como inesperada.
Yilian Cañizares
El violín no es ciertamente el primer instrumento que nos viene a la mente cuando pensamos en la música caribeña, pero Cuba es acogedora, e Yilian Cañizares ha encontrado un lugar para este instrumento en una orquestación de jazz mezclada con percusiones prestadas de rituales yoruba.
Reconoceremos aquí un arpegio heredado de lo clásico, allí un acento de Grappelli, pero la belleza, decididamente dotada, aún se mezcla para cantar, triunfando (y no se ganó) para hacernos escuchar con placer una vieja sierra de Piaf. Alborotando con ideas, sosteniendo un poco de virtuosismo que, sin duda, debe liberarse más en concierto en una invocación no oculta su deseo de seducir, y lo logra sin dificultad.
Herencia de Timbiquí
Apoyado por no menos de diez músicos, el cantante Begner Vásquez está prestando un nuevo vigor a los estilos musicales afrocolombianos reunidos en torno a su ciudad natal de Timbiquí, en la costa del Pacífico de Colombia, al casarlos con salsa, rock y pop, reggae.
Roberto Fonseca y Fatoumata Diawara
El encuentro entre el jazz latino de Roberto Fonseca y el rock maliense de Fatoumata Diawara solo pudo sumergir a estos dos artistas en una fuente africana común. Pero lejos de planear algo, es antes de jugar y divertirse que la comunidad de espíritu ha salido a la luz.
Este maravilloso placer impregna el Live At Home grabado el verano pasado en Marciac: desde los primeros sonidos de clavinet prestados de Stevie Wonder hasta el trot ternario de la tradición de Manding, el partido está impecablemente dirigido por los dos líderes, todos en flor. Haber encontrado al alma gemela en la música.
Diogo Nogueira y Hamilton de Holanda
Hamilton de Holanda es uno de esos músicos que obliga a lo real a ceder a sus apetitos sin medida. Así que agregó dos cuerdas a su bandolim, este instrumento de los jugadores de coro, e inventó la técnica que le era necesaria para someterse a sus extravagancias.
La alianza con el cantante Diogo Nogueira dio en el blanco en Bossa Negra gracias al equilibrio de los opuestos: la moderación de la sección de la canción y el ritmo resalta la volubilidad de los bandolim en una serie de sambas clásicas y volubles.
Grupos de Blues Rock Actuales
- Robert L. Johnson
- Steve Seasick
- Joe Bonamassa
- Stevie Ray Vaughan
- Muddy Waters – «Manish Boy»
- Buddy Guy
- Lynyrd Skynyrd
- The Dirty Mac
- The Black Keys
- Robert Cray
- Willie Dixon
- John Lee Hooker
- Big Mama Thornton
- Jhon Mayer
- Norah Jones
Artistas del Blues Rock
- The Allman Brothers Band
- Kenny Wayne Shepherd
- The Animals
- Arc Angels
- Bad Company
- Long John Baldry
- The Jeff Beck Group
- Blind Faith
- Roy Buchanan
- The Paul Butterfield Blues Band
- Canned Heat
- Eric Clapton
- Cream
- Derek & The Dominos
- The Fabulous Thunderbirds
- Free
- Rory Gallagher
- The Jeff Healey Band
- Jimi Hendrix
- Colin James
- Janis Joplin
- Jonny Lang
- Led Zeppelin
- John Mayall Bluesbreakers
- Gary Moore
- Bonnie Raitt
- The Rolling Stones
- Santana
- Savoy Brown
- Kenny Wayne Shepherd
- Ten Years After
- George Thorogood
- The Pat Travers Band
- Robin Trower
- Stevie Ray Vaughan
- Edgar Winter
- Johnny Winter
- The Yardbirds
- ZZ Top
