Laúd: Qué es, características, partes y mucho más

El laúd es un instrumento de cuerdas pulsadas que ha sido uno de los más antiguos que ha existido, posee un sonido armonioso. Inicialmente se utilizaba este instrumento exclusivamente para personas importantes y no cualquier persona tenía el derecho a siquiera aprender a tocarlo. Conoce toda la historia y mucho más en nuestro post.

¿Qué es el Laúd?

El instrumento musical que tiene nombre Laúd (proveniente del árabe العود al-`ūd) se trata de un instrumento de cuerda punteada, cuyo origen se remonta a la Edad Media, y que posteriormente se introduce en Europa expandiéndose rápidamente en la península arábica por los árabes e influyó en los acordes que en ese momento ya estaban en la mencionada península. Además, el laúd se puede designar en este ámbito como un instrumento en donde se le colocan las cuerdas en un plano paralelo a la caja, a lo largo de un mástil saliente.

Hoy en día, el término en un campo técnico abierto también se usa para denotar cordófono generalmente occidental con una caja de resonancia no plana (a diferencia de, por ejemplo, con la guitarra). Fue un instrumento que fue ampliamente utilizado entre los siglos XIV y XVIII. Desde el siglo XX, se ha experimentado un nuevo aumento en la popularidad de los instrumentos de cuerda.

Características del Laúd

Aunque la tecnología ha experimentado cambios importantes a lo largo del tiempo, el intérprete toma el instrumento de la misma manera que la guitarra. Las posibilidades expresivas están dadas por cómo se toca el instrumento. En Occidente, el uso de los dedos y las uñas es privilegiado para permitir la armonización de las notas, los árabes prefieren el tono, porque le dan más importancia a la melodía. (Ver Articulo: Ernestine Anderson)

Al igual que la tiorba, el archilaúd y el licor barroco, el laúd moderno puede contar con cuerdas para bajo llamadas tambores de bajo, que se colocan fuera de la sala de almacenamiento y se utilizan para obtener sonido fuera de la tesitura del encendedor. Los grandes compositores e intérpretes del Renacimiento y el Barroco fueron John Dowland, Giovanni Girolamo Kapsberger, Silvius Leopold Weiss y Robert de Visée.

Significado del Laúd

El nombre del instrumento músico de cuerda, cuya parte inferior es cóncava y gibosa, que se toca punteando las cuerdas. Fue introducido por los árabes en España.

Origen etimológico de la palabra: proviene del árabe العود (al-`ūd).

Partes del Laúd

Los laúdes que son de origen oriental, medievales, renacentista y barroco tienen una caja de resonancia grande abultado; en cambio, tenemos el laúd chino (tubo o pipa) la elaboración de este parte de un trozo de madera. El instrumento de tesitura tenor, empleado en la tuna y en rondallas y el cual fue denominado como laúd español, tiene un fondo plano y posee también aros laterales, aunque su nombre nos confunda y pese a esto, no está emparentado con el laúd sino con la bandurria (el cual es de cuerda pulsada y proviene del laúd español).

Consta de las siguientes partes generales de el instrumento perteneciente al laúd:

• Clavijas: Se trata de unos elementos o piezas de madera bastante alargadas, poseen una ligera forma cónica, en las cuales se enrolla la cuerda con el fin de poder tensarla.
• Trastes: el traste es el elemento que se utiliza comúnmente con materiales de composición sintético, estas cuerdas que son los que van sujetos alrededor del mástil. Con el fin de poder acortar la cuerda a la longitud deseada cuando el intérprete las pisa entre dos de estos trastes.
• Mástil: También se puede observar un mango alargado de unos 580x75x22 mm, que surge del cuerpo del instrumento, sobre el cual se tienden las cuerdas y se ejecutan las posiciones de la mano que se use.
• Diapasón: Es una especie de superficie en la cual va a emplearse como sujetador al mástil con el fin de protección a la hora de desgaste y darle más rigidez, sirve de soporte, ya que sobre ella se apoyan los dedos del ejecutante al pisar las cuerdas. Suele ser de una madera súper densa que tiene por nombre ébano.
• Caja de resonancia: A simple vista podemos observa que las características es abultada, esta construida a partir de unas tiras que le dan soporte y la estructura, longitudinales, con forma de media pera.

• Abertura del laúd: Inicialmente era común ver en estos instrumentos una especie de adorno o de elemento vistoso que lo hace atractivo.
• Cuerdas: El número de cuerdas que posee son 6 cuerdas dobles afinadas al unísono que a su vez están divididas por pares, como las de la bandurria español. Siendo de tripa las agudas y de núcleo de tripa y entorchado de metal las graves.
• Puente: Llamado también barra-cordal. Es justamente esta parte en donde, las cuerdas producen la vibración directamente desde el punto, sin apoyarse en ninguna lámina, como se pueden observar en las guitarras que se utilizan actualmente.
• Cordal: Es la pieza o el elemento en donde van a ir sujetadas las cuerdas del instrumento. Tan solo en unos pocos ejemplares generalmente aquellos que se utilizaron en la era medieval, estos instrumentos tenían una pieza aparte para sujetar las cuerdas, pues desde la Edad Media y hasta el siglo dieciocho el puente y el cordal coincidían en una sola y única pieza, la barra-cordal.

Cuerdas del Laúd

No fue sino hasta finales del año 1500, en la cual se modificó y se fijó su forma clásica del laúd. Partiendo de esto, podemos señalar que tiene un abeto plano y un fondo en forma de pera, profundo y muy ligero, formado por segmentos de madera estrechos que se adhieren entre ellos en sus lados y de siete a diez trastes de la carcasa alrededor del mástil. Seis pares de cuerdas (cuerdas dobles) van desde los pasadores (colocados en un palo en ángulo en la parte posterior del mástil), hasta el puente que está adherido en la tapa.

La afinación más distintiva en el Renacimiento es la siguiente: Sol, Do, Fa, La, Re, Sol. La cuerda aguda suele ser simple. Sobre el puente hay una abertura redonda donde se coloca una talla o arco muy decorado. Los dedos derechos del intérprete presionan cada una de las cuerdas. El lautista inglés John Dowland (1563-1641) fue un destacado compositor de este instrumento durante el período del Renacimiento.

Alrededor de lo q se conoció como el año 1600, con el inicio del barroco, se añadieron cuerdas graves al laúd (cuatro generalmente). Estas cuerdas no podían ser trazadas con los dedos, pero se afinaron en notas descendentes (fa 1, mi 1, re 1, 1). Los músicos franceses, como Denis Gaultier (1603-1672), compusieron un notable repertorio para este instrumento. Se construyeron laúdes más grandes con mayor número y longitud de cuerdas; se incluye aquí la tiorba, el chitarrone y el archilaúd.

Alrededor del año 1700, y gracias a la introducción de las cuerdas enrolladas, que permitió que las cuerdas de base tuvieran una longitud digamos normal. Para este entonces, podemos señalar que los laúdes típicos del siglo XVIII tenían un clavijero doblado y un mástil ancho, en el que hay entre cinco y siete cuerdas de metal con seis hebras dobles generalmente sintonizadas en uno-2, re 2-D 3, fa 3-fa 3, 3-3, 4-re re 4, 4-fa fa 4.

El laúd fue introducido en la Europa medieval a partir de la cultura árabe como un instrumento de púas, pero con cuatro pares de cuerdas únicamente. Para entender mejor estos periodos de modificaciones, hablemos de su antecesor, el cual fue el \ ‘ud (escrito oud por los actuales instrumentistas de los Balcanes), que hoy es un instrumento sin trastes, pulsado de plectro y con dos a siete cuerdas dobles. Ellos están relacionados con el \ ‘ud y con el laúd la cobza rumana, el mandolín y la mandolina medieval. (Ver Articulo: Pink Anderson)

Estos se parecen en general a los mástiles cortos que surgieron en el Oriente Próximo alrededor de 700 aC. Con una expansión tanto al este como al oeste, esos laudes evolucionaron hacia el tubo chino y el biwa japonés. En la Mesopotamia para 2000 a. C. Los laudes de cuerpo raso y mástil largo eran conocidos. Ejemplos modernos incluyen el bouzouki griego y el samisen japonés.

Afinación

Para tomar en cuenta el punto de la afinación para este instrumento, particularmente vamos a continuar con los parámetros establecidos actualmente del laúd, la cual sería la siguiente: una octava abajo (como sucede con la guitarra). Las cuerdas, que son dobles, se sintonizan con las siguientes notas, desde la cuerda más aguda hasta la cuerda más grave: la, mi, si, fa#, do# y sol#. Como se puede observar, la afinación va por cuartas justas.

Al final del Renacimiento, este instrumento podía tener hasta 8 órdenes. Para la afinación de un laúd de estas dimensiones era g ‘- d’ – a-f-c-G-F-D. El proceso finaliza a principios del siglo XVII,  con la aparición del laúd de 10 órdenes (en la cual el grupo de cuerdas eran pares de octava), instrumento de transición entre el Renacimiento y el Barroco cuyos bajos suplementarios se afinaban F-E-D-C.

Esta extensión para el registro grave no paró de crear problemas de volumen, ya que las cuerdas de tripas suenan malas a partir de un cierto diámetro; aunque la práctica de afinar una de las cuerdas de cada orden a la octava superior pudiera aliviar esa dificultad, el límite de las cuerdas fue pronto alcanzado.

Los laúdes y otros instrumentos renacentistas consisten en una familia y cada uno con diferentes dimensiones, afinados en función de su tiro para de esa manera tocar a dúo, trío o cuarteto. Praetorius menciona siete tallas diferentes de laúd, con sus afinaciones características para cada uno de ellos: pequeño laúd a la octava en d\’ o c\’, pequeño laúd soprano en b\’, laúd soprano en a\’, laúd alto en g\’, laúd tenor en e\’, laúd bajo en d\’, laúd contrabajo en g.

Los laúdes tenían cuerdas del intestino de los animales bovinos. Sabemos que, para calcular la afinación perfecta de un instrumento la cuerda esencial es la más aguda, la prima. A partir de ahí, el músico va a refinar el resto del instrumento y los violeros diseñarán sus laúdes de acuerdo con las cuerdas existentes. La elección de la prima es delicada: demasiado fina da un sonido hueco y demasiado gruesa pierde claridad y brillo.

John Dowland aconsejó en 1610 seleccionar cuidadosamente las cuerdas agudas, ya que son las más importantes; Propuso que se elijan cuerdas delicadas y transparentes pero no demasiado delgadas porque son falsas y no tienen buen sonido. Después de muchos años de experiencia, se han dado primas de tripa de un diámetro comprendido entre 0.35 y 0.48 mm.

Los pequeños instrumentos suenan menos con los más finos, pero si el tamaño aumenta, y entonces usted siente la necesidad de usar primas de un mayor grosor. Para dar la misma impresión de tensión bajo los dedos, un gran laúd necesita más tensión que un laúd menor. Actualmente los laúdes tienden a tender oscilando entre 2,5 kg. para pequeñas y 5 kg. para las teorías y los bajos laudes.

Desde un punto de vista teórico, y dependiendo de lo anteriormente mencionado en la cadena, podemos calcular una variedad de longitudes vívidas para cada tono, para obtener el mejor sonido posible.

En otro orden de ideas, podemos encontrar en los museos a finales del XVI que instrumentos que corresponden a los citados por Praetorius: del pequeño Vvendello Venere (1580), 44 cm de tiro, conservado en Viena, hasta la enorme escotilla de doble base de Michiele Harton en 1.602, cuyo tiro es de 94 cm. Se eligió el tamaño apropiado para cada afinación, para obtener así el mejor sonido posible. Y es a partir de algunos de esos laúdes desde los que se construyeron las tiorbas a finales del siglo XVI.

Ahora bien, para el año 1600, «Salomone Rossi publica Il Primo Livro de Madrigali a cinque voci. Describe dos tamaños de chitarrone de once órdenes, uno grande en La y otro menor templado a la cuarta superior en Re».

Poco después, se permite que el acoplamiento de doble husillo se extienda bajo y agregue otras tres hebras de invención, alcanzando así las catorce cuerdas, fruto de un largo desarrollo. Esta tiorba puede tener todas las cuerdas simples o las primeras seis dobles y las grandes simples. También había diez bases (uno de los moldes) con los catorce pedidos dobles.

Los instrumentos de la familia del laúd fueron construidos en Europa por quinientos años y todos estos sufrieron muchos cambios tanto estructurales como estilísticos. Para mencionar algunos, tenemos un laúd Laux Maahler, construido en Bolonia en 1520 con seis órdenes podría tener (nuevo mástil cambiado a siete órdenes a finales de 1500, en 1620 en París fue aumentado a diez órdenes con una cadena más larga).

En 1640, se convirtió en un laúd barroco de once órdenes, con nueva afinación terminada en Copenhague en 1730 como laúd barroca de 13 órdenes o tal vez como una tiorba. Otro ejemplo es un once órdenes Lute construido en Leipzig por Martin Hoffman en 1630. Entonces en 1730 fue aumentada a trece órdenes en Praga y Viena en 1780 terminó con una guitarra cuello largo y estrecho con trastes de metal,seis órdenes y tocado como mandora. Una descripción práctica aunque nunca exacta de los periodos de desarrollo del Laúd son los siguientes:

– Prerenacimiento hasta 1490
– Renacimiento Temprano 1490 – 1550
– Renacimineto Tardío 1550 – 1620
– Transición 1620 – 1660
– Barroco 1660 – 1750

También cabe mencionar algunos de estos ingeniosos artistas constructores de estos primeros laudes, como lo son:

Del renacimiento:
– Henry Arnault Zwolle 1450
– Hans Frei Bologna , 1540
– Laux Mahler Bologna , 1540
– Laux Boss
– Marx Underdorben

Del renacimiento tardío :
– Magno Dieffopruchar Venecia , 1610
– Leonardo Tieffeunbrucker Venecia , 1560
– Michielle Harton Padua , 1580
– Wendelio Venere Padua , 1600

De la Transición :
– Mateo Sellas Venecia , 1630
– Andrea Harton

Laúd Japonés

El biwa es el nombre para el laúd Japonés (琵琶). Es un instrumento de madera y música tradicional japonesa. Al igual que un laúd típico de mástil corto con trastes, es una variante muy similar del instrumento tradicional chino llamado la pipa.

Se dice también de acuerdo a las leyendas que el laúd fue el instrumento por excelencia de una de las diosas de la serpiente en lo que respecta a la religión shintoísta.

El biwa o laúd proviene de China  y este se da a conocer en Japón durante el período Nara (710-759 dC). Se conservan como cinco instrumentos de este tiempo en Shōsōin, la casa del tesoro nacional de Japón. Uno de ellos es un ejemplo raro de biwa gogen de cinco cuerdas (五 玄 琵琶師), decorado con temas típicos de Asia Central, incluyendo un camello. Este instrumento es ciertamente único en su género en toda Asia. Los intérpretes de biwa errantes, semejantes a los trovadores, eran conocidos como biwa hoshi (琵琶 法師).

La interpretación de la música con el biwa casi inicialmente fue casi nula, durante el período Meiji, a medida que la música e instrumentos occidentales se volvieron mucho más populares y tuvieron modificaciones significantes. (Ver Articulo: Willie Dixon)

Existen principalmente seis tipos de instrumentos que se caracterizan por el número de cuerdas, los tipos de sonidos que pueden producir, tipo de plectro y su uso. Como el biwa no se toca en la afinación sintonizada, los tonos son lo más cerca posible de la nota más próxima.

A lo largo de la historia se conocen varios tipos de este instrumento, el cual es conocido en este país asiático como biwa o laúd:

1.- Biwas clásico Biwa gagaku (雅 楽 琵): este tipo de laúd es de cuatro cuerdas y cuatro trastes, se utiliza exclusivamente para el gagaku (un tipo de música elegante, clásica y se interpreta en la corte imperial). Se producen sonidos distintos llamados Ichikotsuchō (壱 越 調) y Hyōjō (平 調). Su plectro es pequeño y fino y está hecho de material duro, como boj o marfil. No se usa para acompañar el canto. En el gagaku, se llama gakubiwa (楽 琵琶).

2.- Biwa mōsō (盲 僧 琵琶): este posee al igual que el anterior unas cuatro cuerdas que se utilizan para tocar mantras y canciones budistas. Su plectro varía tanto en tamaño y en materiales. Los de cuatro trastes están sintonizados en MI, SI, MI y LA, aquellos con un quinto traste tienen las cuerdas sintonizadas en MI, SI, MI y LA, los que tienen un quinto traste tienen las cuerdas afinadas en SI, mi, fa sostenido y fa sostenido y los que tienen seis trastes están afinados SI bemol, Mi bemol, Si bemol y si bemol.

Biwas de mediano y Edo.

3.- Biwa Heike laúd (平 家 琵琶), también llamada Hey-Kioku: con cuatro cuerdas y cinco bandas usadas para tocar «The Tale of Heike», una historia épica que representa la batalla entre los clanes Minamoto y Taira por el control de Japón a finales siglo XII. Su púa es ligeramente más grande que el biwa gagaku. Se establecen en LA, do, mi, la o en LA, do sostenido, mi y la.

4.- Biwa satsuma (琵琶): sus características son cuatro cuerdas y cuatro bandas populares durante el período Edo en la provincia de Satsuma (ahora Kagoshima) a través de Shimazu Nisshinsai. Su púa es más ancha que para los otros tipos de laúdes. Según muchas personas, esto se debe a su popularidad entre el samurai-pletrum, que también se usa como arma (William P. Malm, música tradicional japonesa e instrumento musical).

Las notas se ajustan a la voz del intérprete y su afinación es LA, MI, LA, SI. La más eminente biwa satsuma ejecutante del siglo XX fue Kinshi Tsuruta (1911-1995), que desarrolló su propia versión del instrumento, que ella llamó biwa Tsuruta. Ueda Junko, uno de los mejores discípulos de Tsuruta, sigue incorporando la tradición en la interpretación de este instrumento.

Biwas o laudes modernas

1.- Chikuzen Biwa (前 琵琶): entre las muchas cualidades que presenta este laúd, destacamos las cuatro cuerdas y cuatro bandas o cinco cuerdas y cinco bandas, popularizadas durante el período Meiji con Tachibana Satosada. Su púa es ligeramente más pequeña que la biwa satsuma. La afinación de las cuatro cuerdas Sí, mía, fa mantenida y si y cinco. Dos escuelas de biwa chikuzen son Asahikai and Tachibanakai. Es popularmente utilizada por las intérpretes femeninas de biwa.

2.- Tachibanakai. Es utilizado popularmente por artistas femeninas biwa.

3.-Biwa Nishiki (琵琶): cinco bandas de cinco cuerdas populares por Suito Kinjo. Su púa es la misma que la utilizada con satsumas biwa. Se afina en do, Sol, do, sol y sol.

Laúd Chino

Este fue una época en donde el instrumento tuvo un par de modificaciones importantes, con un cuerpo, esculpido a base de bloque de madera, tiene la forma de una pera machacada y posee cuatro cuerdas. Hay referencias que datan su existencia al siglo II a. C. Acompañante del canto de poemas, muchas veces épicos, que describen batallas o acontecimientos históricos relevantes. Además, se utiliza en grupos musicales para interpretar solos.

El repertorio de este laúd consiste en obras chinas tradicionales, la mayoría anónimas, y música contemporánea de compositores con influencias chinas y occidentales. Es tocada por una minuciosa técnica de destreza espectacular en los dedos, para conseguir sonidos característicos. Liu Fang es un intérprete muy reconocida dentro de lo que se le denomina como pippa o láud chino.

Laud Español

El llamado laúd español es esencial, así como el bandurria, en las formaciones populares de la música española. Las orquestas de pulso y punta y las rondallas instrumentales, compuestas por familias de instrumentos de cuerda escogidos de varias alturas, también conocidas como estudiantinas o en su versión universitaria como atún. Es importante enfatizar que este instrumento ciertamente no tiene nada que ver con la inclinación tradicional.

Hay también un laúd cubano, cuyo ejecutor más famoso es Barbarito Torres, del Buena Vista Social Club. Tiene la misma apariencia del laúd español, pero la afinación es diferente.

Laud en el barroco

Durante el Barroco, el instrumento amplía el número de cuerdas, hasta diez o más órdenes, que se utilizaron para tomar notas más serias que podrían dar lugar a los armónicos de las nuevas características asignadas al instrumento. Entre los artistas más famosos, destacan Silvius Leopold Weiss y Robert de Visée, bien conocidos por las suites de laúd escritas por J. S. Bach.

Laud renacentista

En la época del Renacimiento, este instrumento el laúd tuvo una enorme popularidad entre la nobleza europea. Pero en países como España se le vió arrebatado este rol protagónico del laúd y en su puesto estaría desplazado en la música cortesana por la vihuela. Aunque no esta del todo comprobado si en España fue utilizado o no, esto por los prejuicios, que recuerdan a los instrumentos musulmanes que llegaron.

Entendemos que el laúd durante la primera mitad del siglo XVI tuvo en su postura seis órdenes dobles y la lectura se utilizó para la nota musical de la misma. La configuración y la técnica del instrumento fueron similares a las del instrumento mencionado anteriormente como vihuela (el cual es parecido a la guitarra, de percusión pero empleado con púas), por lo que el repertorio de ambos instrumentos podría ser reemplazado, ya que también aparece el título de algunas de las publicaciones del momento.

Entre los compositores y artistas más destacados de este género, tenemos algunos nombres como los de Francesco Spinacino, Giovanni Girolamo Kapsberger, Francesco da Milano (que compuso una colección de piezas publicadas bajo el título Inlavolatura viola o lauto vero. Primo / secondo Book of Fortune), Adrien Le Roy, Albert de Rippa o John Dowland. La técnica de composición era básicamente el contraste, al igual que la música vocal de esta misma época renacentista.

Durante la segunda mitad del siglo XVI, comenzaría a aumentar el número de pedidos sobre el laúd, llegando con 10 órdenes de laúd a las primeras décadas de 1600, el período de transición entre el Renacimiento y el Barroco. Es por eso que este periodo renacentista fue importante para los conocedores del mundo de la percusión y los amantes de los Laúd.

Laúd medieval

El laúd medieval es un instrumento de cuerda pulsada, que se toca con una púa, y este proviene de España a través del mundo árabe (Al Andalus). Procedentes del árabe, usted y nuestro país preceden al artículo especial para mujeres «The», cuyo nuevo nombre es «Lute», cuyo nombre se conoce al resto de Europa, se vuelve muy popular entre los siglos XIV y XVIII. En España tras la expulsión de los moriscos comienza a perder su uso en favor de la Vihuela de Mano (antecesor de la actual guitarra española).

La tapa del instrumento es plana y de abeto. El fondo ahuecado en forma de pera, profundo y ligero, formado por estrechos gajos o duelas de madera, las cuales están pegadas entre ellos a través de sus lados, y consta de siete a diez bandas de tripas, en oposición a su predecesor. Tiene entre cuatro y cinco pedidos dobles y el cabezal está inclinado hacia atrás desde el mástil. El puente está atascado en la parte superior.

Desafortunadamente, los laúdes medievales no se conservan hoy en la actualidad, aunque existen numerosas fuentes iconográficas donde están presentes, como pinturas, miniaturas, frescos, esculturas, xilograbados, tratados, etc. Ellos nos informan sobre cómo se parecían y sus dimensiones.

«Cabe mencionar que el instrumento medieval laúd medieval, es una reproducción realizada por el luthier Demián Reolid, a partir del retablo Virgen de los Ángeles realizado por Pere Serra, en circa 1390 que se conserva en la actualidad en el MNAC (Museo Nacional de Arte de Cataluña).»

Laúd Árabe

La palabra laúd deriva de la voz árabe `ūd (عود), cuyo significado es ‘madera’. Según la tradición, el mayor tocador de laúd que existió en todos los tiempos fue el músico persa, pero residente en Córdoba Abu al-Hasan Ali ibn Nafi, más conocido como Ziryab (789-857). Se introdujo algunos cambios organológicos (adición de cuerdas) y técnicas (interpretación con plectro hecho con plumas de aves, en lugar de madera como era usada normalmente). (Ver Articulo: Kim Simmonds)

El laúd utilizado en los países árabes y en el Oriente Medio carece de trastes, ya que éstos perturbaban la realización de cuartos de tono, necesarios para la música oriental, con un polo más pequeño que el europeo y una caja de resonancia mucho mayor. Generalmente tiene sólo un equipo y cuatro cuerdas dobles, sin embargo, pueden hallarse laúdes de hasta siete órdenes. Su registro es generalmente dos octavas y media. Se utiliza en la música clásica y popular de todos los países árabes, además de Marruecos, Turquía, Irán, Pakistán, Armenia, Georgia.

Laúd en el mundo moderno

Desde su nacimiento en el año 1930, su popularidad ha sido en un total aumento. Impulsada del movimiento de la música antigua (renacimiento y barroco). Julian Bream se hizo famoso por sus conciertos donde el protagonico se lo llevaba el laúd y violines.

Los otros artistas destacados fueron: Hans Neemann, Walter Gerwig, Suzanne Bloch y Diana Poulton.

Mientras que en los laúdes actuales son copias de modelos de instrumentos históricos pertenecientes a museos y colecciones privadas; Sin embargo, algunos artesanos diseñan modelos con características más actuales. Ambos se pueden comprar de segunda mano en un mercado muy limitado. Las dificultades involucradas en su construcción los hacen más caros que los instrumentos de producción en masa, como la guitarra, que a veces son los más caros incluso aún mas que el violín.

A diferencia de lo que sucedió en el pasado, hoy en día existen muchos tipos de laúd: obras medievales, renacentistas, barrocas para archilaúd, tiorbas para partes de bajo continuo en conjuntos barrocos, y otros. Se apoya en la diversidad regional en Grecia: Laouto y Outi se relacionaron tanto con el Oud árabe como con el Out.

Entre los laudistas de fama mundial se incluyen Konrad Ragossnig, Robert Barto, Desmond Dupré, Eduardo Egüez, Edin Karamazov, Luca Pianca, Edmund Spenser, Hopkinson Smith, Axel Wolf, Nigel North, Eligio Quinteiro, Stephen Stubbs, Richard Stone, Pascal Monteilhet, Ariel Abigovichich Evangelina Mascardi, Luciano Contini, William Waters, Paul O This, Rolf Lislevand, Anthony Rooley, Eugène Ferré.

El artista Sting toca el laúd y el archilaúd, ocasionalmente en colaboración con Edin Karamazov. También la cantante colombiana Shakira utiliza el laúd en su canción «Ojos así» podemos verla en el vídeo con el instrumento (recordando las raíces de esta cantante en el mundo árabe) con la colaboración del músico Tim Mitchell.

Laúd con mástil largo

Se trata de un laúd que como su nombre indica tiene el mástil largo, es igualmente el mismo instrumento, pero con la única variación de que este posee el elemento mástil con unas dimensiones más largas de lo habitualmente conocido.

El cuerpo es un cuenco doble de madera de mora, cubierto con una fina piel de cordero, bastante tensa. El diapasón tiene de 25 a 28 trastes ajustables. Tiene 4 órdenes de cuerdas,  de las cuales son cadenas dobles (el primer y segundo par de acero y el tercer par de cobre) establecidos en Do-Sol-Do, y el cuarto orden es una cadena de cobre para la base establecida en Sol (una octava más baja que la cadena central) que pasa fuera del diapasón. Su intervalo es de aproximadamente dos octavas y media, y se toca con una púa.

«El arte de la fabricación y práctica musical del tar laúd, fueron declarados Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la Unesco el 6 de diciembre de 2012 a propuesta de Azerbaiyán.»

Algunos de los mas famosos músicos de todos los tiempos, en el género del Laúd, los vamos a mencionar a continuación:

Nojan Kamoosi, Aqa Hosein-Qolí, Gholam-Hosein Darvish, Alí-Naqí Vazirí, Musa Maarufí, Yahya Zarpanyé, Ali-Akbar Shahnazí, Morteza Neydavud, Abdolhosein Shahnazí, Nasrollah Zarrinpanyé. Lotfollah Madchd, Qolam Hosein Bigyé-Janí, Yalil Shahnaz, Farhang Sharif, Hushang Zarif, Fereydun Hafezí, Ramiz_Quliyev Ramiz_Quliyev, Mohammad Reza Lotfí, Hayyi Memmedov, Mayid Derajshaní, Hosein Alizadé, Dariush Talaí, Dariush Pirniyakán, Hamid Motebassem, Keyván Saket, Daniel Hormozí, Parham Nasehpur.

Laúd sin trastes

El instrumento occidental de África hizo madera pintada y barnizada en color marrón, consta de tres cuerdas de tripa y, a su vez, también funciona como un instrumento de percusión. El Gimbri tiene sus orígenes en Guinea y Gnawa.

Este tipo de laúd, posee las siguientes características de una caja de resonancia piriforme cubierta con piel de camello o cabra que actúa de tapa armónica, un mástil cilíndrico con tres clavijas situadas en la zona proximal del mismo, dicho mástil penetra en la caja de resonancia y llega hasta el cordal situado en el orificio acústico; el mástil y el cordal están situados en ambos extremos del mástil.

La cubierta de piel que forma la tapa armónica está rasurada, aunque presenta restos de pelos que no interfieren en la armonía. La piel se adhiere a la caja de resonancia debido a los distintos elementos que forman parte de la piel y a la porosidad de la madera natural.

1.- Tipo afinación: Determinada

• Afinación: La 2ª y 3ª cuerda están afinadas a la octava. La afinación de la 1ª cuerda puede variar respecto a las otras dos, depende de la obra a interpretar y el tipo de melodía.
• Materiales sonoros: Cuerdas y caja de resonancia de acuerdo a los materiales normalmente empleados.
• Funcionamiento: la manera mas correcta para utilizarlo, es yema de los dedos, vamos a realizar la acción de presión provocando la vibración.

2.- Forma: Piriforme la tapa armónica, curvo el fondo de la caja de resonancia y el mástil cilíndrico.

• Materiales: Maderas, piel, cuerda, barniz, hilo y cola animal. Estos elementos hoy en día suelen ser de materiales sintéticos.
• Tratamiento de la superficie: Barnizada y reforzada para mayor duración.
• Decoración: Las clavijas están trabajadas a torno y a mano, presentan formas moduladas y decoración incisa, así como la extremidad proximal del mástil.

Laúd bandurria

La familia de este instrumento español es la familia del laúd español-bandurrias. En esta familia existen cinco instrumentos (bandurria soprano, bandurria contralto, tenor bandurria, bajo de bandolín y bandurria de contrabajo). El tenor bandurria también se llama la laúd, pero es un nombre que no suele ser muy popular.

Posteriormente se le volvió a asignar nuevamente el nombre de laúd a principios del siglo XX, ya que sus formas características y sonidos querían recordar el instrumento barroco, pero en realidad no pertenecen a la misma familia de instrumentos. El bandurria tenor tiene una muy similar al laúd, pero con más corto y más redondeado mástil cuerpo, aunque la parte inferior del instrumento, como la guitarra, es plana, como el laúd y al contrario del laudo barroco, con el que no es pariente, es dominado.

La Bandurria es un instrumento de cuerda pulsado, como lo hemos mencionado anteriormente, y el cual es parte de la familia de laúdes españoles. De acuerdo a la historia que conocemos sobre este instrumento, nos indica que este se refiere a Valentín Hernández el cual se le ha llamado «padre de banduria» y uno de los mas famosos interpretes de este genero. (Ver Articulo: La Música)

Su origen proviene tanto de la etimología como del formato del instrumento pandura griega (νανδούρα, que literalmente significa Pandora, probablemente relacionado con la mitología), un novedoso mástil de instrumento cordófono que permite utilizar tanto tonos naturales como medios tonos, utilizados en la antigua Grecia en el siglo VI a. . C., con antecedentes durante el período micénico.

Posee una amplia familia de este instrumento, el cual se estableció como el primero en esta familia y aparecen en estos que a continuación les indicamos (soprano bandolín, contralto bandolín, tenor bandolín, bajo bandolín bajo y mandolina), aunque por lo que se conoce solo se han extendido en uso los tres primeros que hemos mencionado. A la bandurria tenor también se le llama laúd, pero puesto a que este nombre es muy popular para designar instrumentos con esta cualidad, abarca un gran número de versiones partiendo de la inicial.

Este fue llamado nuevamente laúd a principios del siglo veinte, ya que sus características y el sonido son muy similares a aquel laúd original, y buscaban recordar o rendir honor a aquel instrumento del barroco, pero realmente no pertenecen a la misma familia de instrumentos. El tenor Bandurria tiene una inclinación muy similar a la pendiente, pero con un mástil más corto y más redondeado, aunque el fondo del instrumento, es como la guitarra, es plano, así como la inclinación y los extremos barrocos, con el que no tiene parentesco, ya que está abultado.

Características de la bandurria:

1.- La bandurria, se toca utilizando el elemento conocido como púa, elaborado a partir de concha o de cuerno de búfalo aunque en la actualidad se utilizan púas que son de plástico que tienen distintos grosores, estilos y colores.

2.- Hoy en día todas las púas más usuales se moldean a gusto del ejecutante. Las formas más comunes son de gota de agua, la triangular y de doble punta.

3.- En cuanto al tema de la afinación más común para la bandurria, del primer al sexto par, es la-mi-si-fa#-do#-sol# de esta manera se logra una afinación optima.

4.- Se utiliza en coro y música popular. Es importante en las orquestas de tuna y / o pulso de una universidad. A pesar de lo que generalmente se piensa, también se usa para interpretar música académica. Se estudia desde unos años a nivel superior en Conservatorios de música como el de Murcia.

Historia de la bandurria 

Una de las teorías existentes sobre los bandurrias da origen a este instrumento alrededor del año 400 d. C. La Bandurria, como la gran mayoría de los instrumentos con mástil y trastes, a pesar de tener pequeños cambios o modificaciones, se originan en el panduran griego (que a su vez proviene del panduran micénico en Anatolia). La cual se estima que esta ya se utiliza en la Edad de Bronce, adaptaron a sus vidas cotidianas la civilización babilónica cuando entraron en contacto con los egipcios.

La Pandura fue importada por los romanos a todos los países del sur de Europa. Cuando tuvo lugar el contacto entre estas ciudades mediterráneas con la civilización árabe y bereber, Pandura se fusionó con la árabe Qupuz y la bereber Caracara, dando lugar al primer paso de lo que se conoce hoy como bandurria.

En Europa solo podemos encontrarnos con este instrumento en España. Particularmente forma parte del folklore de Aragón, Castilla, Murcia, Extremadura, en partes de Andalucía, Navarra, Valencia, Islas Baleares y también dispersas en las Islas Canarias.

Durante la colonización de América, las bandurrias se extendieron por todo el Caribe hasta Perú y Chile; En este viaje estuvo sujeto a muchas variaciones, como la pendiente cubana o el bandolero. También se implantó bajo la influencia española en Filipinas.

Inicialmente, la bandurria primero tenía tres cuerdas, que se convirtieron en cinco dobles en el siglo XIX. A estas diez cuerdas, a mediados del siglo, se agregó una nueva cuerda doble, la más grave.

Durante el siglo XIX, las bandurrias variaron de forma, dando origen a la actual bandurria, la que hoy conocemos.

Ahora bien, para resumir lo anteriormente expuesto, podemos decir que el Laúd o bandurria tenor, es más grande que la bandurria común, en cuanto a dimensiones de caja y de mástil, posee un total de doce cuerdas y este tiene un sonido más grave.

Diferencia entre el Laúd y la guitarra

Primero que nada, vamos a comenzar definiendo que son los instrumentos conocidos como cuerda o cuerda pulsada, los instrumentos de cuerda o instrumentos de cuerda pulsada son los instrumentos musicales que producen sonido a través de vibraciones de una o más cuerdas, generalmente amplificadas por un fondo resonante. Estas cuerdas se estiran entre dos puntos en el sonido del instrumento presionando, frotando o percutiendo entre las cuerdas.

En la orquesta clásica, se le llaman «cuerdas» en todos los instrumentos de cuerda formados por grupos de violines (usualmente están clasificados en violines primeros y segundos), violas, violonchelos y contrabajos. Lo mismo se aplica a la orquesta de cuerdas, que consiste en este mismo grupo de instrumentos. Al igual que estamos hablando de un trío, cuarteto o quinteto de cuerdas, lo mismo sucede cuando se trata de grupos de violín, viola y violonchelo.

Instrumentos de cuerda pulsada
Los instrumentos de cuerda pulsada, pinzada o punteada son todos estos instrumentos de cuerda en los que la cuerda vibra tras ser pulsada o simplemente ser tocada por los dedos, yema de los dedos o por algún elemento extra como púas, y a su vez esta vibración es la que va a producir el sonido. Además de los dedos, también se puede utilizar un plectro.

Ejemplos de instrumentos de cuerdas pulsadas:

• Sin mástil y sin teclado: arpa, lira y cítara.
• Sin mástil pero con teclado: clavecín, espineta y virginal.
• Con mástil y sin trastes: laúd árabe, dobro, guitarra de tres puentes, bajo sin trastes, kora y steel guitar.
• Con mástil y con trastes: guitarra, banjo, mandolina, bandurria, laúd, sitar, bajo, cuatro, guitarrón chileno, charango, ukelele, tiple colombiano, timple canario, jarana jarocha y Guitarra portuguesa.

La guitarra

La guitarra, también conocida como guitarra clásica o guitarra española, es un instrumento musical de cuerdas pulsadas, que posee un fondo de resonancia, un mástil en el que se sujeta el tablero de agarre o almacenamiento generalmente con un agujero de sonido en la parte superior central (el cual se le denomina boca) y posee seis cuerdas. En los agarres están las bandas incrustadas, que permiten la ejecución de diferentes tonos.

Algunos instrumentos de su familia son cuatro, ukelele, fife, charango y varios tipos de guitarrón, debido a que el guitarrón mexicano a menudo es usado por los mariachis y los laudes.

Es el más utilizado en géneros como el blues, el rock y el heavy metal, especialmente en la versión eléctrica, mientras que el flamenco se usa a menudo en una guitarra española clásica con pequeñas variaciones, llamada guitarra flamenca. La guitarra clásica también es bastante común entre cantantes y folclore en diferentes países.

Hay muchos tipos de instrumentos de cuerda. La guitarra española es uno de los instrumentos más famosos de todos los tiempos, además de que es conocida en todo el mundo. Otro instrumento que también tiene una historia notable además de la guitarra clásica es el laúd, el cual es proveniente de la edad media. Tuvo una gran aparición musical entre los siglos XIV y XVIII. Fue uno de los instrumentos musicales favoritos en los trovadores y juglares.

Una de sus características es que las cuerdas están situadas de forma paralela a la caja. Mientras que en el caso del laúd fue introducido en España, en el siglo VIII, por las invasiones árabes con una similitud, pero con dimensiones un poco diferentes.

Desde un punto de vista histórico, hay que señalar que el gran maestro de la música Johann Sebastian Bach compuso varias piezas musicales que se interpretan con el laúd. Las obras escritas también se conservan para exclusivamente el laúd, tablatura, durante los siglos XVI y XVIII.

Aunque el laúd tenía una gran aparición musical durante la época de renacentista, por el contrario, perdió fuerza después del Barroco. Fue en los años 20, cuando el laúd recuperó su fuerza original. Hay personas que saben tocar la guitarra y deciden aprender a tocar la laúd debido a los paralelos entre los dos instrumentos, ya que son muy parecidos, pero en cuanto al sonido, el laúd es más armonioso que la guitarra.

El laúd por lo tanto es un instrumento que, debido a su baja potencia de sonido, generalmente tiene la función de acompañamiento, así como la música de la guitarra. El laúd era incluso un objeto de reflexión filosófica de los pensadores que consideraban un paralelismo entre las cuatro cuerdas de este instrumento y los elementos principales de la naturaleza: agua, tierra, aire y fuego.

El músico Abu al-Hassan, conocido como Ziryab, hizo un cambio importante en el laúd al agregar una quinta cuerda a este instrumento. Tanto la guitarra como el degradado son instrumentos que requieren una afinación cuidadosa para dar una buena armonía a las cuerdas antes de tocar una música.

En la edad media 

En los siglos XI y XII, se pueden distinguir dos tipos de «guitarras» o «guiternes». Por un lado, Morisca o Mandora, con forma de pera semi ovalada y similar al laúd árabe y la mandolina. Por otro lado, un mayor desarrollo de las viejas cedras, cítolas y lyruses, de fondo plano, se unieron con anillos con tallo largo y cabezal de guitarra latina que se parecía mas al violín.

La primera hipótesis que tenemos sobre el origen real coincide con la guitarra de origen oriental, una especie de laúd asirio que se habría extendido rápidamente a través de Persia y Arabia, para llegar a España durante la estancia árabe en la Península Ibérica de hecho en los orígenes históricos del laúd describe esta hipótesis.

En segundo lugar, tenemos la hipótesis del origen greco-latino del instrumento de la guitarra. Ambos tipos están representados en miniaturas por Cantigas de Santa María por Alfonso X el Sabio, 1270, aunque una de las representaciones más antiguas que quedan es en Europa occidental, un hombre apasionado Abbey Zwiefalten, 1180.

Tipos de guitarras

Actualmente existen innumerables tipos de guitarras, pero hoy en día se pueden distinguir dos tipos distintos: guitarra clásica y guitarra flamenca. La guitarra flamenca, que se entiende hoy en día, es el fondo resonante de un tamaño algo más pequeño que el clásico, y diferentes tipos de madera utilizados en su construcción (ciprés tradicional). Hay algunas otras variantes que lo hacen más tipo de ejecución.

Una variedad de guitarras clásicas o españolas son guitarras acústicas, la mayor diferencia es el material que se emplea para su construcción, que son de metal en lugar de tripa o nylon y el tamaño de la caja que le da un mejor clásico de guitarra acústica. Viene de los Estados Unidos. Por lo general, es más grande y finalmente se desarrolla para introducir un sistema alimentado por energía eléctrica, lo que resulta en una guitarra eléctrica.

Mientras que la música para laúd fue escrita en tablatura, la música para la guitarra era generalmente escrita en alfabeto, un sistema de notación específico para dedicar acordes.

La verdad es que la guitarra fue ganando popularidad y poco a poco logro ir sustituyendo el laúd, principalmente debido a que su interpretación se extiende entre las clases superiores, que anteriormente habían sido instrumentos para la gente común y se asociaban con desprecio por las personas con permisos bajos.

La razón es que es mucho más fácil de tocar y no requiere educación musical, a diferencia del laúd, por lo que puede ser interpretado por algunos analfabetos. El teatro también contribuye a hacer que la guitarra sea visible como un elemento común que se muestra en ese momento.

A continuación les anexo un vídeo del sonido de un laúd y la guitarra.